Dieses Gemälde ist eine der wenigen Aquarellkunstkreationen, die Rothko in einer kritischen Phase seines Schaffens geschaffen hat. Die Technik Auf einer Grundlage aus grau-blauen und grauen Lavierungen verwendete er schwarze Tinte, um restlich figurativ suggestive Formen zu skizzieren. Eine Kunsthistorikerin, Bonnie Clearwater, hat Rothkos Technik der Verwendung von Aquarellen identifiziert. Ihre allgemeinen Erkenntnisse stimmen sehr gut mit diesem Stück überein: Rothko trug das Aquarell und die Gouache mit großzügigen Pinseln mit weichen Borsten auf. Er kehrte mit schwarzer Tinte zurück, um Formen zu definieren oder automatische Linien zu manipulieren, bevor die Farbe trocken war.
Die Tinte lief manchmal beim Einbringen aus, wenn die Farbe in einigen Bereichen noch feucht war. Dies würde zu den schwarzen Explosionen führen, die in einigen seiner Werke zu sehen sind. Schließlich kratzte er manchmal das Papier unter dem Pigment und legte es mit einer Rasierklinge, einem anderen scharfen Instrument oder dem Rücken eines Pinsels frei. (Clearwater S.30, 1984) Ohne Titel demonstriert den von Clearwater definierten Einfluss des Kratzens und Ausblutens und der linearen Elemente und Vorwäschen. Eine blaue Fläche belebt das Bild zusätzlich in der unteren Bildhälfte, rote Locken und Flecken verteilen sich gedankenvoll über die Komposition. Die Botschaft von Untitled Circa 1944 Wie bei den Aquarellen von Rothko eliminiert das Fehlen eines Titels manchmal alle Anspielungen, die mit den Formen dieses Kunstwerks verbunden sind.
Jedoch, Die elliptische im mittleren Bereich und die totemischen vertikalen Typen sind anderen Aquarellen bekannt, die diese Dauer aushalten, einschließlich "Untitled" (Arcaic Seascape, Primeval Landscape) Circa 1944 (Privatsammlung). Größere Leinwände im Zusammenhang mit dieser Technik, darunter Ritual I 1944 und die Privatsammlung Anfam 1998, präsentieren explizitere Bilder, die dazu beitragen, die Formen des Untitled zu validieren, die größtenteils von der Menschheit stammen.
Die mögliche Inspiration Dieser sich schnell entwickelnde Moment, den Rothko mit Adolph Gottlieb und Barnett Newman teilte, war kurz. Sowohl Adolph als auch Barnett waren amerikanische abstrakte Künstler, die an eine ähnliche Doktrin wie Rothko glaubten: dass Kunst ein Erkundungsabenteuer in die unbekannte Welt nur für bereitwillige Risikoträger ist. Es war jedoch ein kritischer Präzedenzfall in Rothkos nachfolgendem biomorphen Werk, insbesondere Untitled v. 1946–7 (Tate T04147), was zeigte, dass seine Aquarellpraxis zu einem verdünnten Ölverbrauch führen könnte. Darüber hinaus erwarten die Komposition und der Kontext, dass die horizontalen Ebenen vertikal gruppiert sind, um die gereiften abstrakten Werke von Rothko zu verkörpern.
