Untitled (1952), Ohne Titel

Dies machte es zu einem der wertvollsten Anschaffungen in Rothkos gesamter Karriere , obwohl ein Großteil seiner Arbeiten heute in öffentlichen Einrichtungen aufbewahrt wird und wahrscheinlich nicht zum Verkauf angeboten wird. Die Preise wurden daher durch diesen offensichtlichen Mangel an Angebot erheblich in die Höhe getrieben, und daher werden alle Rothko-Gemälde, die auf dem freien Markt zum Verkauf angeboten werden, jetzt wahrscheinlich exorbitante Preise erzielen. In den letzten Generationen hat sich auch weltweit der Reichtum ausgeweitet, und der Preis, bedeutende europäische Kunst zu besitzen, kann für Nationen im Ausland viele Vorteile haben. Einige ölreiche Regionen versuchen beispielsweise, ihre Wirtschaft zu diversifizieren, um sie in der Zukunft zu schützen, und der Tourismus kann durch den Bau bemerkenswerter Kunstgalerien und Museen angekurbelt werden.

Rothko hatte Mitte der 1940er Jahre in einem Stil gearbeitet, der eng mit dem Surrealismus verbunden war, bevor er seine karrierebestimmende Reise begann, die zur Entstehung der Farbfeld-Kunstbewegung führte. Dieser Ansatz war bekannt für die Verwendung von Farbrechtecken, die an ihren Rändern gelockert wurden, um verschiedene Teile des Gemäldes zusammenzufügen. In diesem Beispiel sehen Sie auf dem größeren Bild unten, dass die Farbblöcke in keiner Weise einheitlich waren, sondern innerhalb des Rechtecks voller Variationen, allerdings mehr bei Untitled, 1952 als bei den meisten seiner anderen Gemälde. Wir finden Flecken in helleren Tönen und sehr raue Kanten an jeder der drei Hauptformen. Rothko begann normalerweise mit einem einzigen Ton, um die Leinwand zu bedecken, bevor er Formen darüber hinzufügte. In diesem Fall ist der Hintergrund in einem Orangeton gehalten, wobei stellenweise braune Pigmente verwendet werden.

Die frühe Periode der Farbfeldbewegung war zumindest für Rothko von leuchtenden Farben erfüllt, die sofort eine Anhängerschaft in den Vereinigten Staaten und schließlich darüber hinaus anzogen. Er hatte die frühere Arbeit von Matisse geschätzt und daraus gelernt und verstand nun die Bedeutung der Farbe über fast jedem anderen Element der Kunst. Von diesem Zeitpunkt an verbrachte er Zeit damit, seine Farbkombinationen zu planen und zu entscheiden, wie er sie zusammenstellen sollte, um unterschiedliche Wirkungen zu erzielen. Später gab er zu, dass er verschiedene menschliche Emotionen in seinen Leinwänden darstellen wollte, aber nicht ausdrücklich seine eigenen Emotionen ausdrückte, als er diese Stücke schuf. Die riesigen Formate seiner Leinwände zielten bewusst darauf ab, dem Betrachter zu ermöglichen, von dem Stück verschlungen zu werden, um diese Emotionen wirklich in seinem eigenen Kopf zu spüren.

Wenn Akademiker das Schaffen von Rothko im Jahr 1952 diskutieren, kann es schwierig sein, seine verschiedenen Gemälde zu unterscheiden, da die meisten unbetitelt blieben. Tatsächlich gab es laut dem in den 1990er Jahren veröffentlichten Werkverzeichnis, das alle Gemälde aus seinem gesamten Oeuvre umfasst, tatsächlich neun verschiedene unbenannte Gemälde aus diesem Jahr, obwohl einige später mit Farben versehen wurden, um sie klarer zu trennen. Typischerweise würden die Schlüsselfarben jedes Stücks in Klammern zum Titel hinzugefügt, sonst müssten wir uns einfach auf die Nachlassnummern verlassen, was eine weniger natürliche Methode zur Identifizierung wäre. Die moderne Kunst seit den 1940er Jahren ist dafür bekannt, dass Künstler ihre Werke auf diese Weise veröffentlichen, wobei es nach wie vor eine viel sinnvollere Methode gab, einzelne Gemälde zu benennen. Das heißt, Rothko'.

"...Es ist ein riskantes Geschäft, ein Bild in die Welt zu schicken. Wie oft muss es durch die Augen der Gefühllosen und die Grausamkeit der Ohnmächtigen beeinträchtigt werden, die ihr Leid auf alle Welt ausdehnen könnten!..."

Der Künstler würde sich schließlich von seinen helleren Gemälden entfernen, als er sich Sorgen darüber machte, wie sie ausgestellt wurden. Manchmal war er in der Lage, die Kuratoren zu leiten, um die gewünschte Ausstellung zu erreichen, aber manchmal hatte er das Gefühl, dass seine Arbeit in riesigen Wandflächen verloren gehen würde und dass sie auf kaum mehr als dekorative Gegenstände reduziert würden. Er hoffte, dass durch die Abkehr von den helleren Farben von Gemälden wie Untitled, 1952, dunklere Kontraste anders behandelt werden könnten. Seine Präferenz war normalerweise, dass die Arbeiten eng beieinander und ohne zu viel Platz in irgendeiner Richtung von der Leinwand platziert wurden. Indem er die Betrachter näher an seine Bilder zwang, konnte er ihnen helfen, die Erfahrung zu verstehen, die er zu erzwingen versuchte. Dies kann sich auch darauf ausgeweitet haben, als er später im Leben einige seiner eigenen Arbeiten spendete,

Um die jüngste Reparatur von Black on Maroon zu erleichtern, wurde die Tate Gallery in London beauftragt, die Maltechniken von Mark Rothko bis ins kleinste Detail zu recherchieren, um den Originalzustand originalgetreu wiederzugeben. Der Künstler war bekanntermaßen geheimnisvoll in Bezug auf seine Arbeitsweise und mochte es nicht, wenn jemand in der Nähe war, wenn er arbeitete. Sie waren in der Lage, Materialien wie Ölfarbe in mehreren Tönen, etwas zusätzliche Acrylfarbe sowie etwas Leimtempera und weitere Pigmente langsam freizulegen, die alle auf seinen riesigen Leinwänden vermischt waren. Während diese Arbeit etwa sechs Jahre später entstand, ist es sehr wahrscheinlich, dass auch für dieses Gemälde derselbe Prozess verwendet wurde. Die meisten sehen auf den ersten Blick nur Ölarbeiten in seinen Gemälden, aber tatsächlich gab es viele Ebenen in diesen Designs,