Obwohl er später zu viel dunkleren Gemälden wechselte, als Ausdruck seiner wechselnden Stimmung, war es seine Verwendung von wärmeren Farben wie den hier zu findenden Rot- und Blautönen, die bei Publikum und Akademikern gleichermaßen großen Anklang fanden. Während dieser Zeit gab es eine Freiheit für die Farbrechtecke, bei denen die Ränder absichtlich verschwommen waren, sodass die anfängliche Wäsche über die Leinwand verschmelzen konnte. In diesen Gemälden wurden viel mehr Schichten und Techniken verwendet, als man sich vorstellen kann Es ist wichtig, einen Rothko persönlich aus nächster Nähe zu sehen. Die Größe der Leinwand war ebenfalls wichtig, da er wollte, dass wir nahe an jedem Wandbild stehen und einen Teil des Gemäldes spüren, anstatt einfach nur vorbeizulaufen und einen kurzen Blick darauf zu werfen.
No 1 Royal Red and Blue (Königsrot und Blau) erhielt einen der höheren Preise, als es 2012 bei Sotheby's versteigert wurde. Der Preis von 75 Millionen US-Dollar repräsentiert die Popularität der Originalgemälde des Künstlers sowie die relative Bedeutung dieses speziellen Stücks in seiner Karriere. Rothko beendete diese Arbeit 1954 und Sie können hier ein großes Foto des Gemäldes sehen. Er war wirklich die Speerspitze der Color Field School und ein Schlüsselmitglied der amerikanischen Kunst in dieser für die Nation fruchtbaren Zeit. Sie hatten lange im Schatten der europäischen Künstler gelebt und gingen nun erstmals voran. Dies würde sich mit Künstlern wie Basquiat fortsetzen , einem Graffiti-Künstler von besonderer Bedeutung, der auch für die Vertretung der afroamerikanischen Künstlergemeinschaft wichtig war.
In diesem abstrakten Werk finden wir das Königsrot, ein großes dominantes Rechteck am oberen Rand des Gemäldes, das nicht ganz die Spitze der Leinwand erreicht. Die Waschung auf der Leinwand bleibt rund um die Komposition sichtbar und umrahmt fast die Rechtecke. Darunter finden wir dann ein violettes Rechteck, an das eine weitere blaue Form das Design abschließt. Man muss sagen, dass das Blau durch seine Helligkeit sofort auffällt, obwohl das Königsrot darüber eigentlich größer ist. Eine zweite Untersuchung zeigt, dass es sich nicht um perfekt konstruierte Farbblöcke handelt, wie man sie vielleicht in klassischen Mondrian-Gemälden wie Broadway Boogie Woogie und Composition with Red, Blue and Yellow findet. Stattdessen gibt es in jeder Ebene alle möglichen Techniken, die für diejenigen interessant sind, die genau genug hinschauen. Zusätzlich gibt es weiße Farbtupfer am Fuß der Leinwand, die wiederum dazu beitragen, die Rechtecke mit der ursprünglichen Hintergrundfarbe zu verschmelzen.
"...Ich male sehr große Bilder, gerade weil ich sehr intim und menschlich sein möchte. Ein kleines Bild zu malen bedeutet, sich außerhalb Ihrer Erfahrung zu platzieren. Wie auch immer Sie das größere Bild malen, Sie sind darin. Es ist nicht etwas du befiehlst..."`
Es ist bekannt, dass Rothko sich mit mehreren Elementen rund um seine Farbfeldbilder beschäftigt hat. Erstens glaubte er, dass niemand sie jemals so gut verstehen würde wie er selbst, und deshalb war er immer daran interessiert, andere darüber aufzuklären, was genau er erreichen wollte. Dies wurde bei seinen späteren, dunklen Gemälden wie Untitled (Black on Grey) oder seiner Arbeit für die Rothko-Kapelle zu einem größeren Problem, wo einige Mitglieder der Künstlergemeinschaft sich nicht einmal sicher waren, ob er es ernst meinte, so extrem war seine abstrakte Arbeit gegen Ende seiner Karriere. Diese helleren, früheren Stücke schienen etwas leichter zu verbinden. Zweitens würde ihn die Ausstellung in größeren Museen, die mit zunehmendem Ruhm unvermeidlich sein würde, beunruhigen, dass sie in solch riesigen Ausstellungswänden verloren gehen könnten. Eine Zeit lang bevorzugte er kleinere Veranstaltungsorte, wo die Dominanz seiner Farben die Besucher leichter übernehmen konnte.
Die Kunstgeschichte ist voller Ideen und Techniken, die von einer Generation zur nächsten weitergegeben werden und jedes Mal mehr dazukommen. Farbe war nicht etwas, das in den 1950er Jahren plötzlich von Interesse wurde, sie hatte mehrere Jahrhunderte lang an Bedeutung gewonnen, und wir können sogar auf Tizian zurückgehen, um Beispiele dafür zu finden, wie Künstler ihre Verwendung sehr sorgfältig erwogen haben. Das war jedoch ein langer Weg von den zeitgenössischen Künstlern, die alles andere vorantreiben würden, und diese Idee wurde vielleicht von der Arbeit von Henri Matisse in The Red Studio beeinflusst. Rothko erkannte diesen Einfluss in seinen eigenen Worten an und hätte möglicherweise einen völlig anderen Stil entwickelt, wenn er diesen berühmten französischen Maler nicht entdeckt und studiert hätte. Darüber hinaus sahen wir Van Goghs Umsetzung menschlicher Emotionen in seine Arbeit und Rothko tat das Gleiche, wenn auch in einem besonders abstrakten, zeitgenössischen Stil. Wir alle erinnern uns auch alle an Munchs Fokus auf die verschiedenen Zustände der psychischen Gesundheit auch in seinen expressionistischen Kunstwerken, wie etwa mit Verzweiflung und Angst , die wiederum wahrscheinlich von Dürers Melancholie inspiriert waren.
Rothko selbst sprach auch darüber, wie diese Bilder menschliche Emotionen für uns alle darstellen sollten, ohne sich wirklich auf seine eigene Stimmung zu dieser Zeit zu konzentrieren. Das mag durchaus der Fall gewesen sein, aber es ist nicht zu leugnen, dass sein eigenes geistiges Gleichgewicht die Farben beeinflusst hat, für die er sich zu verschiedenen Zeiten seiner Karriere entschieden hat, und es ist auch kein Zufall, dass seine Arbeit kurz vor seinem Tod viel dunkler wurde. Er erwähnte auch, wie ihm das Beschreiben einer Emotion von uns allen als Künstler eine viel größere Freiheit ermöglichte, als wenn er sich nur auf sein Inneres konzentriert hätte. Er konnte dann auch bestimmte Gefühle annehmen, die er vielleicht selbst nicht oft erlebte, andere aber schon.
