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마크 로스코 전기

마크 로스코 전기

네 자녀 중 막내, 마크 로스코는 야곱과 안나 골딘 Rothkowitz에 1903년 9월 25일에 Dvinsk, 러시아에서 태어났다. 1910 년, 그의 아버지, 약사, 포틀랜드, 오리건에 혼자 이민을와 의류 사업에, 그의 형제, 사무엘 웨인 스테인 위해 일했습니다. 야곱은 자신을 설립 한 후, 그는 1913 년, 1912 년, 그리고 가족의 나머지를 위해, 그의 두 세 아들, 알버트와 모이를위한 그의 아내, 그의 아들 마커스와 그의 딸 소니아를 보냈다. 일곱 달 후, 야곱 죽고 아이들은 가족을 부양하기 위해 일하기 위하여 갔다; 일반적으로 마크로 알려진 마커스, 방과 후 식료품 및 판매 신문을 전달했다. 고등학교 조숙 한 학생, 그는 3 년 만에 자신의 연구를 완료 많은 과목에 뛰어난, 특히 음악과 문학에 대한 사랑을 표현했다. 포틀랜드, 최대 Naimark에서 그의 예일 급우 중 하나는 로스코 대학에 좋은 거래를 스케치하지만 그는 다른 많은 관심을 가지고 주목 것을 상기. 그가 뉴욕으로 이사 할 때까지 아니었다, 로스코 나중에 그는 “친구를 충족하기 위해, 미술 수업에 돌아 다니는 일이”라고 회상; 깊이 학교에 감동, 경험은 예술가가 자신의 결정을 자극.

1924 년 1 월, 로스코는 아트 스튜던트 리그에서 재학하고 조지 브리지 만과 해부학 과정을 복용하기 시작했다. 그해 말에, 그는 포틀랜드에있는 그의 가족을 방문하기 위해 자신의 연구를 중단. 그의 짧은 체류 기간 동안, 로스코 조세핀 딜런, 클라크 게이블의 첫 번째 부인에 의해 운영 작용 회사에 입사하고, 극장에서 자신의 경력이 단명 있지만, 그의 관심은 계속했다. 포틀랜드에있는 그의 초기 몇 년 동안, 그는 링컨 고등학교에서 드라마 과정을 촬영했고, 딜런의 회사와 자신의 역할을 경험 한 후 그는 시도 (그러나 실패) 뉴욕에있는 미국 연구소 극장에 장학금을 이길 수 있습니다.

극장 로스코의 사랑은 자신의 삶을 통해 자신의 작품을 통보; 그는 연극 장면을 그린 많은 극작가을 존경하고, “연예인”으로 “드라마 ‘같은 그의 그림, 그의 양식 함. 자신의 경험 포틀랜드 무대 세트를 그림 잘 그는 1961 년에 1958 년 씨 그램 빌딩의 포시즌 레스토랑과 하버드 대학에 년 후 설계 및 휴스턴에있는 예배당에 도미니크와 존 드 메닐 의뢰하는 벽화에 영향을 수 있습니다 1964.

초기 1925 년, 로스코는 뉴욕으로 돌아 오십 번째 거리 근처에 브로드 웨이에있는 디자인의 수명이 짧은 새로운 숄에 Arshile 고르 키에서 하나의 클래스를했다. 그 해 가을, 그는 1920 년대와 1930 년대, 아트 스튜던트 리그에서 미국의 현실 무역의 거점을 reenrolled.예술 학교로 명성이, 슬론은 그 가르침이 보수적 “에서로 매우 원거리 사실에서 유래, 지적하지만, 자신의 능력 가운데 리그, 토마스 하트 벤톤, 조지 LUKS, 존 슬론과 같은 눈에 띄는 현실 화가를 계산 현대 “. 로스코는 1925 년 가을 학기 동안 막스 베버 (Max Weber)와 함께 공부하고 다시 1926 년 봄. 웨버, 전용 모더니즘은 로스코와 그의 다른 학생들 그는 폴 세잔, Fauve하고 입체파의 일을 느꼈던 열정에 전달. 그는 아카데미 줄리안에서 첫 번째, 1905년부터 1908년까지 파리에서 공부 한 후 앙리 마티스와 함께했다. 자신의 시간의 많은 진보적 인 미국인처럼, 그는 학문적 인 프랑스 아트에 파리에서 단결했다 보수적 인 미국 작가의 폐쇄 사회에 실망했다. 웨버는 전시와 살롱에 참석, 예술가의 스튜디오와 카페에 자주, 아방가르드의 보헤미안 생활의 일부가되었다. 그는 루드의 집에서 세잔의 작품은, 다른 사람의 사이에서 파블로 피카소, 마르크 샤갈을 만났고, 앙리 루소의 절친한 친구가되었다 발견했다. 뉴욕으로 돌아온 웨버는이 예술가의 많은의 영향을 반영하는 스타일을에 페인트하기 시작했다. 그는 야수파, 입체파와 미래파 실험과 그 자신의 고유 한 입방정 – 미래 학자 스타일을 공식화하고, 1920 년대에 그는 표현주의으로 향했다. 다른 많은 근대처럼, 웨버는 유럽 미술의 고전 작품의 열렬한 학생이었다. 유럽 ​​예술의 교사의 감사는 갤러리에서, 그리고 휘트니 스튜디오 클럽에서, 아트 스튜던트 리그에서 아메리칸 리얼리즘의 지배에도 불구하고 자신을 각성. 그는 또한 아프리카 조각, 콜럼버스 이전의 작품, 노스 웨스턴 아메리카 원주민 부족의 토템을 수집. 이러한 영향은 로스코의 초기 작품에서 쉽게 알 수 있기 때문에 웨버는 eviently 현대인과 엘 그레코, 자신의 학생들과 고야, 같은 유럽 주인의 자신의 사랑을 자신의 직접 만남을 공유했습니다.

1929 년 10 월 우울증의 증상으로, 주로 잘 알려진 사진 작가 알프레드 스티글리츠와 그의 선구적인 아트 갤러리를 중심으로 미국의 모더니즘의 첫 번째 물결은 빠졌다했다. 그것은 미국의 리얼리즘의 전통 파리의 학교에서 예시 한 유럽 모더니즘보다 표현의 더 설득력 평균 있었다 누구를위한 예술가의 그룹에 의해 대체되었다. 유럽에서 그랬던 것처럼 1920 년대 후반과 1930 년대 초 동안 미국의 정치적, 경제적 위기는 민족주의의 증가와 예술의 사회적, 정치적 이야기에 새로운 관심에 상승했다. 한층 더 미국의 테마 – 가난한 농촌의 비참한 생활, 도시 노동자의 처지, 그리고 대공황의 여파에 따라 절망의 감각을 전달하는 다른 장르의 주제는 – 모든 예술을 지배했다.

1920 년대 후반 동안, 로스코는 뉴욕의 의류 중심에서 수고와 상대, 사무엘 Nichtberger, 회계 및 세금 변호사의 경리로 일을 포함 허드렛 일을 수행하여 자신을 지원했다. 1929 년, 그는 브루클린 유대인 센터, 그는 1952 년까지 유지 위치의 센터 아카데미에서 아이들을 가르치는 아르바이트를했다. 로스코는 종종 가르치는 아이들의 관점에서 현실의 자신의 인식을 의사 소통하는 능력을 이해하기 위해 그를 사용할 수 있다고 주장 단순한 시각적 이미지. 그는 너무 깊이 그는 진리를 자신의 검색에 ​​대한 근거로 아이들을 본 적이 선물을 믿었다. 그는 1950 년대 후반의 작가로 독립을 달성 할 때까지 1951 년 1954을 통해 다른 기관 브루클린 대학에서 근무하였고와 함께 중앙에 교육, 지원의 자신의 주요 수단이되었다.

1932년 7월에서 로스코 에디스 Sachar 다음을 만났고, 그들은 로스코의 웨스트 일흔 다섯 번째 거리의 아파트에 처음으로 거주 한 후 313 이스트 6 번가와 맨해튼과 브루클린의 다른 아파트에, 자주 이동, 그 해 11 월에 결혼했다.다양한 작업에서 교사와 에디스의 실적으로 나중에 그녀의 보석 디자인에서 마크의 급여에서 불안정한 생활을했다. 이들 아파트는 자신의 스튜디오와 그녀의 숍을 모두 제공합니다.

그의 초기 개발에 대한 베버의 영향에도 불구하고, 로스코는 주로 독학이고 있었다 나중에 상태였다 “자신의 스튜디오에있는 그의 동시대에서 그림을 배웠어.” 그가 년 넘게 자신의 작품을 전시 했더라도 차 세계 대전의 발발, 로스코는 화가 거의 알려지지 않았다. 자신의 재정 상황은 여전히 ​​어려웠지만 그는 화가 블랙 유머와 자신의 절대적인 믿음을 겪고 자신을 유지했다. 이러한 어려움에도 불구하고, 1930 년대 후반과 1940 년대 초는 로스코에 대한 엄청난 의미의 년이었고, 그의 예술은 극적인 변화를 겪었다. 이전에, 그는 이미 그의 글에서 공식화하기 시작했다는 생각을 표현하는 새로운 양식을 찾을 수 없습니다 아직 포기하지 않으려는 모습으로 고생했다. 그는 현재 종사하는 지적 혼란 1938 년에서 1940 년대 중반에 그의 작품을 지배 신화 이미지의 호의에있는 그림을 거부하는 ​​그를했다. . 로스코 자신은 나중에 “우리 중 누구도 그것을 토막하지 않고 그림을 사용하지 수있을 때 그것은 내가 그림은 내 삶의 목적을 제공하지 수있는 최대한 마지 못해했다 …하지만 시간 혼수.”인정

그녀가 성공의 부족에 의해 좌절되었고, 그녀의 사업에 가입하도록 그를 압박하기 시작하면 로스코의 친구에 따르면, 에디스 그의 결혼은 붕괴하기 시작했다. 사진 작가 아론 검은 방울새는 1944 년에 메리 앨리스 Beistle에 로스코을 도입, 그는 1945 년 봄에 Biestle 결혼 전에 로스코 곧 에디스 이혼. 월 로스코이 예술에서, 그의 가장 중요한 솔로 쇼 TODATE을했기 때문에 이것은, 중요한 해였다 그는 전시 안내 책자 바와 같이, 점유, 중요한 그림의 숫자 전시 세기, “추상과 초현실주의 사이의 중간을.” 뷰 캔버스 가운데 바다, Beistle 그들의 구애하는 동안 그린 아티스트와 상징적 인 자화상의 가장자리 느린 소용돌이이었다. 다른 회화의 평면 및 장학 이미지는 원시적이고 오래된 기술에 소스를 제안하는 반면 1940 년대 중반 FO이 관련 작품, 로스코, 식물이나 동물의 모호하게 암시 애니메이션 회전 형태의 시리즈를 만들었습니다. 다른 초현실주의에서 영감을 동시대의 그의 작품의 인식이 그대로 로스코의 초현실주의에서 영감을 이미지와 자동 성 자신의 사용은 여기에 분명하다.

광도 로스코의 관심 수채화 페인트 그를 재촉하고, 1940 년대 중반에 그는 회색과 지구 음색의 팔레트를 사용하여 몇 가지 특별한 작품을 제작, 색상, 그는 나중에 자신의 삶의 마지막 몇 년 동안 실행 된 작업의 강력한 시리즈에 사용합니다 . 제목 없음 10 호; 세례 장면, 제목 N. 16; 매장 I; 매직은 수채화의 다작의 몸에서 몇 가지 예입니다. 이 작품의 일부, 로스코는 온도, 구 아슈, 또는 펜 및 잉크, 또는 훼손되지 않은 용지의 왼쪽 부분을 추가하고, 자신의 팔레트가 dubdued 있지만, 빨간색, 노란색, 파란색의 미묘한 색조를 포함하여 색상의 가끔 히트 곡이있다 . 이러한 공상, 곡선 형태의 재정 효과는 1930 년대 후반과 1940 년대 초반의 작품을 특징 짓는 극적인하지만 육중 한 신화의 등장 인물에 현저한 대조를 이룬다 표현의 새로 발견 된 자유의 것입니다. 초현실주의 자동 성을 가진 로스코의 1940 년대의 실험은 이전 년간의 그의 작품을 지배하는 더 엄격한 성직자 순서에서 그를 해방. 그가 그 기간의 영역 또는 레지스터을 살려 계속되지만, 이미지는 더 이상 구획을 분리하지만, 주위 공간 내에서 자유롭게 이동 국한되지 않는다. 그의 이전의 신화적인 주제에서 누락 놀이의 요소, 그리고 그의 형태의 우아한 움직임은 그의 유럽 동시대 특히 뉴욕에있는 자신의 존재를 통해 자신의 미국 동료에 뚜렷한 영향을 준 두 사람 메이슨과 맛타,,과의 비교를 제안 .

1천9백49에서 50 사이의 겨울에 의해, 로스코가 그의 성숙한 스타일에 도착했다, 두 개 또는 세 개의 발광 색 사각형이 다른 위에 하나를 배치하는 하나의 빛나는 색상 필드에서 플로팅 나타났다. 제목 없음 (제 17 호) 등 그렇지 않으면 서로 다른 그림의 특성을 잔류 biomorphic 양식, 피상적 자동 제스처, 색상의 깜박 거림 스트로크; 수 24; 제목 없음 (제 22 호)은 중후반 1940 년대의 그의 신화와 초현실주의 어휘 남아있는 모든입니다. 실제로, 번호 (22)는 한 시대의 끝과 또 다른 시작을 마킹로 볼 수있다. 캔버스의 중앙부를 지배 선형 요소는 뉴욕 대학의 많은 작가의 작품 등 눈에 띄는 역할을하는 초현실주의 윤리 너무 중앙 자동 성 개념의 남아있는 모든 것을하고 있습니다.그림은 곤란한 상황과 노란색 땅에 대해 설정 색의 수평 띠의 사용 동일하게 주목할 만하다. 반면에, 제목 없음 (26 호), 마젠타, 블랙, 오렌지 제공에 녹색 등의 웅장한 그림은 로스코의 그림이 수행하게되는 방향에 안타. 각 캔버스의 특정 표시가 초현실주의 서예 추상 속기의 종류는, 그들은 초현실주의의 참조 중 하나에서 이혼을 제안하지만,이 캔버스는 사각형 필드 내에서 설정 화려한 수평 컬러 밴드의 자신의 멋진 배열 주목할합니다. 1950 년, 더 큰 색상 필드 내에서 색의 사각형이 형식은 로스코의 작품의 가장 중요한 기능 중 하나가되었다.

그의 그림의 핵심에서 나오는 빛의 효과를 달성하기 위해, 로스코는이 층의 일부 페인트의 탑 코트를 표시 할 수 있도록 자주, 다른 것에 색 하나의 다수의 얇은 층을 적용하여 자신의 캔버스에 안료 염색하기 시작했다. 이것은 그가 매우 존경 렘브란트,의, 현대적인 방식으로 재 작성 공진 빛에 그를 사용. 로스코는 앙리 마티스,이 기간의 그의 작품에 틀림없이 하나의 큰 영향 필적하는 색상 문을 만들 수 있습니다. 에서 제목 없음 (바이올렛, 블랙, 오렌지, 화이트와 레드에 노란색), 흰색 페인트의 발광 터치 바이올렛, 오렌지와 노란색의 중앙 사각형을 둘러싸고로 마티스처럼, 로스코는 종종 다른 동등하게 빛나는 옆에 배치하여 하나의 강렬한 색상을 강화 ; 동일 평면 상에 비율을 다른 상이한 색상의 색상의 광대 한 배열을 포함하는 자신의 능력 : 그림은 로스코의 가장 큰 업적 중 하나를 보여준다. 보라색의 형태가 실제로 그룹의 가장 큰이며, 노란색과 오렌지를 지배하고 있지만, 그것은 양쪽에서 두 개의 빨간색 세로 막대로와 아래쪽 가장자리에 검은 인접한 좁은 밴드에 의해 억제된다. 또한, 중앙의 형태를 둘러싼 부드러운 노란색과 흰색 필드는 캔버스 지원에 떠있는 사각형을 고정.

로스코의 캔버스의 대부분은 1950 년대 후반과 1960 년대 초반의 크기에 기념비적했다. 그는 자신이 표현하고 싶다고 말한 것으로 인용되었다 “기본적인 인간의 감정을 -. … 내 사진 전에 눈물 사람들은 내가 그들을 페인트 할 때 내가 가진 같은 종교적인 경험을 가지고있는 비극, 황홀경, 운명” 그는 잭슨 폴록, 드 쿠닝 등 동시대와 함께 공유 한 고귀한 경험을 만들 수있는 로스코의 욕망은 누구를위한 그림의 과정은 이벤트와 캔버스 해당 법의 반영이었다. 그림에 로스코의 접근 방식은 덜 화가, 행위, 이벤트 사이의 관계에 종사하고, 적은 물리적했다. 사실, 그는 종종 페인트하기 전에 조용한 묵상에 빈 캔버스 근처에 앉아 시간을 보냈다.

1958 년 로스코는 이미 수십 년 동안 뉴욕의 예술 세계에 중요한 힘이었다 필립 존슨, 저명한 건축가와 예술 수집하여 포시즌 레스토랑 네 벽화를 그리기 위하여 초대되었다. 존슨은 1930년부터 1936년까지 현대 미술관 (Museum of Modern Art)의 건축과 이사, 그리고 다시 1946-1954.

로스코는 자연적으로 그 자신의 첫 번째 임무로했다 두근 두근하고, 1950 년대 후반의 그의 캔버스는 그가 존슨 위해 설계된 벽화에 매우 흡사했다. 1958 년 여름, 그는 22 바우에서 전 YMCA 체육관을 임대하고 작업하기 시작했다. 같은 해, 그는 베니스 비엔날레 XXIX로 표시했다. 가을, 그는 프랫 인스티튜트에서 이야기를주고, 1959 년 봄에 그는 멜리사와 1950 년에 태어났다 그의 딸 캐시 린과 유럽 떠났다. 그는 이탈리아 파이스 툼에서 본 많은 고대 사이트와 기념물 중 폼페이는 부분적으로 인해 자신의 뉴욕 학교 동료의 많은 있었다 그가 깊이, Boscoreals의 벽화에 의해 이동했다 메트로폴리탄 박물관, 그의 잦은 방문으로, 그에게 가장 영향을 미쳤다. 피렌체에서 그는 특히 산 로렌조의 회랑에서 미켈란젤로의 메디치 도서관에 깊은 인상을 받았습니다; 그는 또한 산 마르코 수도원에 대한 프라 안젤리 코의 벽화와 즉시 연결을 느꼈다. 그런 다음, 그는 존슨에 대한 자신의 일을 계속하기 위해 뉴욕으로 돌아왔다.

그는이 만족되기 전에 그는 프로젝트에 거의 2 년 동안 일했다. 그는 오렌지와 갈색 적갈색과 검은 색의 색상에 이르기까지, 벽화 세 세트, 그들이 점진적으로 어두운 각을 완료했다. 이 작품의 경우, 그는 자신의 그림에 사용되는 폐쇄 직사각형 출입구를 닮은 오픈 사각형을 대체 형태의 새로운 시리즈를 만들었습니다. 로스코는 가로 형식 이내에 수직 구성을 놓고 각 패널을위한 2 개의 색깔에 자신의 팔레트를 제한.

로스코의 벽화는 의심 할 여지없이 이탈리아 사이트에서 자신의 경험에서 유래 위엄과 신비의 새로운 감각이 깃 들어있다. 처음으로, 그의 작품은 비극적 인, 금지, 우울하고, 그는이 벽화는 상용 설정에 속하지 않은 그 점을 분명히 된 작업을 완료, 그래서 그가이 임무를 거부하고 그가 지불했던 돈을 돌려 보냈다. 벽화의 첫 번째 세트에서 패널은 개별적으로 판매되었다. 두 번째 시리즈는 아마 포기하고 판매하지 않습니다, ​​그리고 세 번째, 1959 년에 완성, 1969 년에 런던의 테이트 갤러리에 부여 하였다. 로스코의 강렬한 명상 그림은 인간의 감정과 관심의 성격을 이야기하기 때문에, 그들은와 완전히 호환되지 그들이 의도 된 위해 설정. 그는 그의 첫 번째위원회의 아이디어에 틀림로 매력으로, 로스코는 아무것도 예술의 도덕적, 윤리적 문제에 대한 자신의 관심을 방해하지 않도록 허용합니다. 그의 행동은 의심 할 여지없이 그는 나이가 성장함에 따라 강화 된 자신의 젊음에서 파생 된 뿌리 깊은 태도에서 기인합니다. 그는 예술가로서 성공적인 경력을 수행하는 데 걸린 모든 단계는 자신의 내면의 신념과 역경에 집어 넣어 때문에 “필수의 본질”하지만 모두 자신의 예술을 제거하기 위해 자신의 필요 BT 비용이 많이 드는 일이었다. 친구 로스코의 성공은 편안함으로 그에게 적어도 많은 고통을 가져 증언했다. 그는 자신의 가족과 함께 광범위하게 여행 (1963 년 그의 아들 크리스토퍼가 태어난) 그가 볼 갈망 도시 및 기념물을 방문 할 수 있었다. 그의 명성은 성장하면서 그러나, 그래서 자신의 불안을했고, 그는 세월이 점점 우울했다. 뉴욕 대학의 리더로서 그의 명성에도 불구하고, 로스코는 여전히 그가 경멸에 점점 온 예술 세계에서 오해와 격리 된 느꼈다. 그는 갇혀 느낌의 이야기와 그의 작품은 막 다른 골목에 도달했다고 두려워했다.

1961 년 로스코는 그는 1945 년 이전에 실행 모든 것을 제거를 주장하는, 현대 미술관 (Museum of Modern Art)에서 그의 첫 번째 중요한 솔로 박물관 전시를 부여했다. 그는이 밀집 해있는 작품을 설치하고 심지어, 그림 모두를위한 낮은 조명에 결정 그는 더 강렬한 빛 아래 이전 찾았습니다. 설치가 아마도 다음 작품은 초기와 1950 년대 중반의 그의 그림에서 강조의 결정 변화를 부담하기 때문에 그의 작품은, 씨 그램 벽화의 시간에 촬영 한 새로운 방향을 반영합니다. 겨울에 개최 된 전시회는, 일반적으로 열광적 인 검토를받은 후 유럽에서 광범위하게 여행. 아마도 가장 주목할만한 측면은 뉴욕 대학에서 그의 세대의 예술가에 전념 박물관의 첫 개인전 있다는 사실이었다. 또한 주류 뉴욕 아티스트로 승인을 찾을 수있는 로스코의 수십 년 오랜 투쟁을 검증. 그는 오랫동안 현대 미술에게 그 프로그램의 한 자리를 부여하는 박물관의 실패를 비판했지만, 그는 신속하게 제안을 받아 들였다.

그 후 수신 된 인식은 호세 루이스 르트에 의해 설계 홀리 센터의 펜트 하우스에 대한 벽화의 그룹을 만들 교수 바실리 레온 티에프, 하버드 대학의 동문 사회의 머리에서 하나를 포함하여 다른 이벤트로했다. 1962 년에 완성한 벽화, 결국 중앙의 교수 식당에서 영구 뷰에 배치했다. 이 시리즈는 두 가지 있지만, 상호 그룹에 매달아하기위한 다섯 기념비적 인 패널로 구성되었다. 그들은 하버드 대학에 발송되기 전에, 그들은. 그 설치의 경우, 로스코 두 개의 좁은 것들에 둘러싸여 하나의 큰 패널의 삼부작을 만든 늦은 봄 1963 년 구겐하임 미술관에 설치되었다. 나머지 두 패널은 넓은 하나, 좁은 하나는 삼부작 벽에 인접한 별도의 벽에 걸려 있었다.그림에서, 로스코 게시물을 고용 상인방 구조는 좁은 밴드에 의해 분리 된 직사각형으로 상단과 하단에 연결된. 그는 시그 램 벽화에 대해 선택한 색상과는 대조적으로, 그는 자신의 검은 색과 깊은 알리자린 – 진홍의 모양과 크림 노란색 기둥을 배치하는에 어두운 매화 / 퍼플 필드를 사용했습니다.침울 한 색상과 거대한 형상들이 설계되었다하는 아키텍처를 강화하고 조용하지만 강력한 형태의 오아시스를 창조했다.

1964 년 로스코는 휴스턴에있는 예배당에 벽화를 실행하기 위해, 도미니크와 존 드 메닐에서, 그의 가장 중요한 임무를 받았다. 이 건물은 원래 로마 가톨릭과의 세인트 토마스 대학의 일부가 될 예정되었다, 그러나 그것은 결국 초교파 교회로 구현되었다. 원래 계획은 존슨에 의해 설계되었다; 최종 디자인은 하워드 Barnstone 유진 오브리의 감독하에 수행되었다. 로스코는 대단한 열정을 가진 프로젝트를 허용 그는 동 예순 아홉 번째 거리에 그의 마지막 스튜디오, 변환 마차 집으로 이사 한 직후 벽화 작업을하기 시작했다. 위원회는 그에게 서양 종교 예술의 위대한 전통에 서 수있는 기념물을 만들기 위해, 자신의 삶의 야망 중 하나를 충족 할 수있는 기회를 주었다. 로스코는 세 triptychs가, 단 5 패널, 예배당 개의 대안을 디자인했다. 두 triptychs가 하나의 단일 패널은 적갈색 필드에 검은 색 가장자리가 선명한 사각형으로 구성; 한 삼부작과 네 개의 단일 패널은 적갈색의 세척에 가려져 완전히 검은 색이었다. 페인트의 두께의 변화는 색의 미묘한 차이를 생산.예배당, 로스코는 자신의 대부분의 환원 형태를 만들어 두 색, 빨간색과 검은 색을 사용했다. 형태와 색상 모두 초월적인 존재의 표현을 위해 육체, 차량을 보인다. 더욱 포시즌 또는 하버드 벽화를 황갈색, 휴스턴의 그림은 총 환경, 모든 것을 포괄하는시와 빛의 통일 된 분위기를 만들었습니다. 로스코는 1964 년 겨울에 패널을 시작하지만, 그는 큰 변화를 만들기 위해 수시로 그들에게 반환, 1967 때까지 작업을 계속했다. 비극으로, 그는이 프로젝트가 실현 볼 살지 않았다. 로스코가 자살 한 후 예배당은 하루에 거의 일년에 헌신했다.

1968, 로스코는 가난한 사람의 건강에 있었다. 그는 술꾼이고 대동맥의 동맥류 고통했다. 그의 건강 상태는 더 가족 문제에 의해 복잡하게, 그러나 그의 삶의 지난 2 년 동안 그는 작품의 놀라운 몸을 제조 하였다. 방문자에게 그 때문에 자신의 심장 상태의 그가 무거운 캔버스를 들어 올릴 수 없습니다, ​​따라서 그는 종이에 작업에 의지했다고 설명했다. 그는 물론, 1940 년대에 종이에 근무했으며, 1958 년에 그는 캔버스에 자신의 오일의 작은 규모의 종이 버전을 실행했다. 로스코는 다음과 같이 자신의 과정을 설명 : 그가 보는 동안 조수가 바닥에 종이의 길이를 출시했다; 그는 자기가 원하는 크기에 결정했다되면, 그는 거의 같은 크기로 잘라 10 ~ 15 매의 연속을했다; 그리고는 행의 벽에 종이를 압정으로 고정하고 그들 하나 하나를했다.

말 그림과 종이 조각은 단순의 본질이다. 일부에서는, 제목 없음 (42 호) 등; 제목 없음 (44 호); 색상이 더 부드러운 있지만과 (45 호) 제목, 형식, 이전 그림의 유사합니다. 무제 (갈색, 회색)과 제목 (검정, 회색) 다른 사람에, 표면은 두 절단 좁은 흰색 테두리로 둘러싸여 있습니다.이미지와 색상 – 대부분 갈색 또는 회색과 검은 색 – 작가가 이전에 시도했던 것과는 다르다;작품은 침울하지만 선명도로 가득합니다. 이 말의 작품으로, 로스코 환원 형태로, 최소한의 색상, 회화 적 제스처, 갈색 또는 검은 색의 어두운, 무거운 질량은 아래 회색의 가볍고, 일반적으로 더 작은 영역에 맞는 방법을 통해 자신의 의미를 모두 전달. 같은 빨강, 오렌지, 퍼플 등 – – 로스코의 초기 작품이이 시대의 가장 독특한 작품을하는 동안, 다른 사람은 밝은 색상을 유지했다. 가로 또는 세로 형식 내에 배치 수평 사각형에 대한 자신의 선호와는 달리, 로스코는 하나가 다른 하나의 위에 쌓아 두 개의 수평 비행기를 비교하고 대조하기로 결정했습니다. 두 평면은 작업 일에서 변화; 그들은 단지 작품의 일부에 빛의 깜박임을 방출하는 표시 whhich 국경의 얇은로 구분됩니다. 자주 지지체의 표면에 또는 근처에 가져가 나타납니다 그의 이전 사각형과는 달리,이 비행기는 무자비한 평면이며 자신의 불투명 한 표면은 때때로 자신의 표준과 매우 다른 방식으로 처리 브러시 스트로크의 일련의 활기를 띠게된다. 종종, 특히 종이 조각에, 작품의 미묘한 밝기는 그의 초기 작품에 영감을했던 낭만주의 풍경화를 회상했다.

로스코의 동료 몇몇은 그가 매우 그는 텔레비전에서 본 달의 탐험에 감동했다 한 반면, 일부 비평가들은, 마음의 풍경으로이 작품을 언급했다. 그의 죽음에 대한 반응에서, 아마, 다른 사람이 그림의 많은 어둠에 댓글을하고 그들에게 창조주의 우울한 분위기를 돌린. 그것은 그들이 예술에 도덕적, 윤리적 질서의 시각적 상당을 찾는 로스코는 자신을 위해 설정 한 사명과 유지에 완벽하게 보인다, 그러나, 말할 수 있어야합니다.이미지는 가장 기본적인 색상과 형태 만 모두 베어 휩쓸하고, 그들이하는 것을 나타내는 의미하는 경우, 그들은 미지의 세계로 항해를 나타냅니다. . “추상적 인 아이디어가 이미지에 구체화되어,”1945 년이 세기의 예술에 로스코의 개인전에 대한 안내 책자가 말했다 “그러나 이것은 로스코에 의해 생성 된 이미지가 투기 적 지성의 얇은하게 환기 것을 말하는 것이 아니다, 그들은 수 있습니다 오히려 콘크리트, 잠재 의식은 멀리하지 나타내는 누구에게 예술가의 직관의 촉각 표현하지만, 예술의 가까운 해안. ” 그의 삶의 끝으로, 로스코는 잠재 의식 예술의 개념을 넘어 이동했다 “예술의 가까운 해안입니다.” 그는 신체적, 지적의 영역에 관한 모든 것을 자신의 예술을 정제 정신의 세계를 입력했다.